Das Gemälde A Mermaid (im Deutschen auch als Meerjungfrau) bekannt ist ein Gemälde des britischen Malers John William Waterhouse und wurde um 1900 (oder 1901) als 98 × 67 cm großes Ölbild auf Leinwand gemalt. Es ist ein Teil viktorianischer Kunst.
Es zeigt eine melancholische Meerjungfrau, die am Ufer eines Gewässers sitzt. Ihre langen, gewellten roten Haare fallen über ihre Schultern, während sie sie mit einem Kamm durchkämmt. Ihr Blick wirkt nachdenklich oder sehnsüchtig, als würde sie in sich versunken sein oder auf etwas in der Ferne warten. Ihr schimmernder Fischschwanz leuchtet in Blau- und Grüntönen und kontrastiert mit der dunkleren, natürlichen Umgebung.

Das Bild ist ein typisches Beispiel für Waterhouses Faszination mit mystischen, mythologischen und literarischen Themen. Die Meerjungfrau als Motiv hat eine lange Tradition in Kunst, Literatur und Folklore und symbolisiert oft Sehnsucht, Verführung und das Wechselspiel zwischen menschlicher und übernatürlicher Welt.

Die Szene selbst ist in Waterhouses typischem präraffaelitischen Stil gehalten, mit einer romantischen und mythischen Atmosphäre. Die Farbpalette ist sanft und erdig, mit fließenden Formen und weichen Konturen. Das Wasser und die Steine im Hintergrund verleihen dem Bild eine ruhige, fast magische Stimmung. Das Gemälde fängt die Mystik und Einsamkeit der Meerjungfrau ein und lädt auch den Betrachter ein, sich in die Welt der Legenden und Fantasien hineinzuversetzen.

Die Meerjungfrau selbst ist in vielen Kulturen Sinnbild für Sehnsucht, Unnahbarkeit oder Gefahr. Besonders in der Romantik wurde die Figur oft als tragische Gestalt interpretiert – ein Wesen, das zwischen menschlicher Liebe und der Zugehörigkeit zum Meer hin- und hergerissen ist. Waterhouse setzt diese Vorstellung in seinem Bild meisterhaft um, indem er die Meerjungfrau nachdenklich am Wasser sitzen lässt, statt sie aktiv mit einem Seemann oder Opfer darzustellen.

Hylas und die Nymphen ist ein Gemälde von John William Waterhouse, das den jungen Helden Hylas zeigt, der von Wassernymphen verführt wird. Hylas ist ein Gefährte des griechischen Helden Herakles und befindet sich mit den Argonauten auf einer Reise nach Kolchis. Als Hylas Wasser holen geht, wird er von den Nymphen, die von seiner Schönheit angezogen sind, umzingelt. Hylas ist hin- und hergerissen. Er möchte den Nymphen nicht widerstehen, aber er weiß auch, dass er seine Gefährten nicht im Stich lassen darf. Am Ende entscheidet er sich für die Nymphen und verschwindet mit ihnen im Wasser.

Das Gemälde ist ein typisches Beispiel für den Präraffaelismus, eine Kunstrichtung, die sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in England entwickelte. Die Präraffaeliten lehnten die Kunst des Akademismus ab und orientierten sich stattdessen an den Werken der frühen Renaissance. Sie zeichneten sich durch ihre detaillierten Darstellungen, ihre Verwendung von Symbolen und ihre Faszination für die Mythologie aus.

“Hylas und die Nymphen” ist ein wunderschönes und stimmungsvolles Gemälde, das die Faszination des Präraffaelismus für die Mythologie und die Schönheit der Natur zeigt.

Die Nymphen sind in dem Gemälde nackt und verführerisch dargestellt. Sie sind alle sehr schön und haben lange, wallende Haare. Sie umringen Hylas und strecken ihm ihre Hände entgegen. Hylas ist von den Nymphen hin- und hergerissen. Er möchte sie nicht widerstehen, aber er weiß auch, dass er seine Gefährten nicht im Stich lassen darf. Am Ende entscheidet er sich für die Nymphen und verschwindet mit ihnen im Wasser.

Das Gemälde ist ein Symbol für die Verführung der Natur. Die Nymphen verkörpern die Schönheit und die Kraft der Natur, die Hylas nicht widerstehen kann. Das Gemälde ist auch ein Symbol für die Sehnsucht nach dem Unbekannten. Hylas verlässt seine Gefährten und begibt sich mit den Nymphen in eine neue Welt, die er nicht kennt.

“Hylas und die Nymphen” ist ein wunderschönes und stimmungsvolles Gemälde aus dem Jahre 1896, das die Faszination des Präraffaelismus für die Mythologie und die Schönheit der Natur zeigt. Es ist auch ein Symbol für die Verführung der Natur und die Sehnsucht nach dem Unbekannten.

Hylas und die Nymphen ist ein Gemälde von John William Waterhouse, das den jungen Helden Hylas zeigt, der von Wassernymphen verführt wird. Hylas ist ein Gefährte des griechischen Helden Herakles und befindet sich mit den Argonauten auf einer Reise nach Kolchis. Als Hylas Wasser holen geht, wird er von den Nymphen, die von seiner Schönheit angezogen sind, umzingelt. Hylas ist hin- und hergerissen. Er möchte den Nymphen nicht widerstehen, aber er weiß auch, dass er seine Gefährten nicht im Stich lassen darf. Am Ende entscheidet er sich für die Nymphen und verschwindet mit ihnen im Wasser.

Das Gemälde ist ein typisches Beispiel für den Präraffaelismus, eine Kunstrichtung, die sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in England entwickelte. Die Präraffaeliten lehnten die Kunst des Akademismus ab und orientierten sich stattdessen an den Werken der frühen Renaissance. Sie zeichneten sich durch ihre detaillierten Darstellungen, ihre Verwendung von Symbolen und ihre Faszination für die Mythologie aus.

“Hylas und die Nymphen” ist ein wunderschönes und stimmungsvolles Gemälde, das die Faszination des Präraffaelismus für die Mythologie und die Schönheit der Natur zeigt.

Die Nymphen sind in dem Gemälde nackt und verführerisch dargestellt. Sie sind alle sehr schön und haben lange, wallende Haare. Sie umringen Hylas und strecken ihm ihre Hände entgegen. Hylas ist von den Nymphen hin- und hergerissen. Er möchte sie nicht widerstehen, aber er weiß auch, dass er seine Gefährten nicht im Stich lassen darf. Am Ende entscheidet er sich für die Nymphen und verschwindet mit ihnen im Wasser.

Das Gemälde ist ein Symbol für die Verführung der Natur. Die Nymphen verkörpern die Schönheit und die Kraft der Natur, die Hylas nicht widerstehen kann. Das Gemälde ist auch ein Symbol für die Sehnsucht nach dem Unbekannten. Hylas verlässt seine Gefährten und begibt sich mit den Nymphen in eine neue Welt, die er nicht kennt.

“Hylas und die Nymphen” ist ein wunderschönes und stimmungsvolles Gemälde aus dem Jahre 1896, das die Faszination des Präraffaelismus für die Mythologie und die Schönheit der Natur zeigt. Es ist auch ein Symbol für die Verführung der Natur und die Sehnsucht nach dem Unbekannten.

Das Gemälde ist ein typisches Beispiel der akademischen Kunst der damaligen Zeit, durchgeführt in einer hochpolierten und naturalistischen Maltechnik, wobei Bouguereau sich auf klassische Vorbilder stützte, diese aber natürlich besser machen wollte. Wenn du wissen magst worauf er sich u.a. bezog – Boticelli sollte dir bekannt sein.
Dabei war auch dynamischer in der Körperform und legte noch etwas mehr Wert auf die Hüfte der Venus im Vergleich zur Statue der Aphrodite von Kyrene (welche in Rom steht). Diese erotische Ausstrahlung der Venus kam zwar beim Publikum gut an, verursachte natürlich aber Kritik bei den Moralisten… Es ist halt immer das Gleiche 😉

Erschaffen wurde dieses Bild von William A. Bouguereau (1825-1905), ein französischer Maler und gemeinhin als Meister des Akademischen Klassizismus und Klassischen Realismus bezeichnet.

Das Gemälde ist ein typisches Beispiel der akademischen Kunst der damaligen Zeit, durchgeführt in einer hochpolierten und naturalistischen Maltechnik, wobei Bouguereau sich auf klassische Vorbilder stützte, diese aber natürlich besser machen wollte. Wenn du wissen magst worauf er sich u.a. bezog – Boticelli sollte dir bekannt sein.
Dabei war auch dynamischer in der Körperform und legte noch etwas mehr Wert auf die Hüfte der Venus im Vergleich zur Statue der Aphrodite von Kyrene (welche in Rom steht). Diese erotische Ausstrahlung der Venus kam zwar beim Publikum gut an, verursachte natürlich aber Kritik bei den Moralisten… Es ist halt immer das Gleiche 😉

Erschaffen wurde dieses Bild von William A. Bouguereau (1825-1905), ein französischer Maler und gemeinhin als Meister des Akademischen Klassizismus und Klassischen Realismus bezeichnet.

Porträt des Monsignor Giovanni Battista Agucchi (~1621) 
Domenico Zampieri * Oktober 1581 (Bologna) | † April 1641 (Neapel)

Der Bildnis des Bischofs G. B. Agucchi wurde von seinem Freund und Maler Domenico Zampieri gemalt. Aufgrund dieser Freundschaft gelingt ein intimer Blick in das Leben eines Bischofs.
Bei der Arbeit, aufmerksam lesend, nur kurz zum Betrachter aufblickend, lässt einen kurzen Augenblick Intimität zu, die Blicke treffen sich.
Der Künstler selbst, war eng verknüpft mit dem Klerus – wohl auch, weil sein Freundeskreis aus diesem Bestand. So malte er auch den Kardinal Girolamo Agucchi, den älteren Bruder seines Freundes Giovanni.

Domenico selbst, der auch unter dem Künstlernamen »Domenichino« wirkte, lebte einige Jahre im Haushalt der Agucchis und kam so auch mit anderen hochrangigen Persönlichkeiten der Kirche in Kontakt.
Natürlich malte er auch so einige Bilder mit religiösem Hintergrund, viele Portraits sowie auch diverse Fresken, beauftragt durch Kirche und Klerus.
Seine bekannteren Werke sind durchzogen von historischen und mythologischen Motiven und Gestalten, hauptsächlich malte er jedoch Landschaften, bei denen er sich von Annibale Carracci inspirieren ließ.
Weitere Werke mit mythologischen Motiven und Naturbezug sind »Jagd der Diana«, »Die Opferung Isaaks« oder auch »Jungfrau mit dem Einhorn«.

Zampieris Werke sind heute in den Kunst-Museen auf der ganzen Welt ausgestellt.

Was wäre die Welt ohne Rituale? Die einen trinken früh einen Kaffee, die anderen machen Yoga oder schlagen den Nachbarn wegen ungeschnittener Hecke…
Früher wurden Menschen die Rituale durchführten entweder verbrannt (sofern weiblich) oder gut bezahlt und durften den ganzen Tag lesen (sofern männlich).

Doch was bedeuten uns Rituale? Der tiefere Sinn? Ist Religion immer verknüft mit einer Todo-Liste und NoGos? Egal! Letztlich geht es um Gleichförmigkeit im Alltag, etwas zum Festhalten und letzlich: Ausdruck seiner selbst!

Diesen Shirt zu tragen könnte dein Ritual werden! Zeig wer du bist, indem du zeigst, was du magst!

Model: Anonymous
Foto: @Ketten2006art // ketten2006art.de

Rote Marie (1919)
Heinrich Vogeler
* 12. Dezember 1872 (Bremen) | † 14. Juni 1942 (Kolchos Budjonny bei Kornejewka)

Die “Rote Marie” hatte einen echten Namen: Sie hieß Marie Griesbach (verh. Marie Hundt) und  war eine deutsche Revolutionärin, Anthroposophin und Dichterin.

Sie wuchs in Dresden auf, wo sie als Arbeiterin  Vorstandsmitglied des Jugendbildungsvereins war und als eine der Entscheidenden Personen der Arbeiterjugendbewegung der Stadt galt.

Wegen eines Flugblattes gegen den Krieg aus dem Jahr 1917 wurde sie wegen Hochverrates inhaftiert aber im Zuge der  Novemberrevolution befreit. Im Anschluss wurde sie ein Mitglied der Gruppe „Internationale Kommunisten“ um Otto Rühle und trat immer wieder bei öffentlichen Reden auf. Den Maler des Bildes “Rote Marie” Heinrich Vogeler, einen bedeutenden Maler des Jugenstils, lernte sie 1919 auf der Totenfeier für den Kommunisten Johann Knief kennen und vermutlich auch lieben.

Zusammen mit Vogeler gründete sie im Sommer 1919 die Kommune und Arbeitsschule Barkenhoff. Dort wollten sie das gemeinsame, kommunistische und pazifistische Ideal im Kleinen verwirklichen. Künstler schlossen sich an, Landwirte und Handwerker gehörten dazu – allesamt Menschen, die basisdemokratisch, ohne bürgerliche Ansprüche auf Privateigentum, zusammenleben wollten. Man richtete eine „Arbeitsschule“ für Kinder ein. Dort sollte die klassenlosen Gesellschaft geschaffen werden. Doch das Experiment schlug fehl: 1924 wurde der Hof aufgelöst und zu einem Kinderheim umfunktioniert. Vogeler ging in die Sowjetunion, wo er 1942 verarmt im heutigen Kasachstan verstarb – Die rote Marie hingegen begründete einen Anthroposophischen Hof und wurde Mutter von 7 Kindern.

The Lament for Icarus (1898)
Herbert James Draper
* 1863 (London) | † 1920

Herbert James Draper war ein englischer Maler des Viktorianischen Zeitalters.

Er erlernte sein Handwerk an der Royal Academy in London und “The Lament of Icarus” aus dem Jahre 1898 stellt eines seiner bedeutendsten Werke dar. Es gewann auf der Weltausstellung 1900 in Paris eine Goldmedaille.
Draper war in den 1890er Jahren vor allem auf griechische Mythologie spezialisiert.

Bemerkenswert ist in seiner Darstellung der Ikarus-Geschichte, dass das Unheil bereits geschah: Der tragische Held der Geschichte wird nicht im Sturz vom Himmel dargestellt sondern tot am Boden liegend.

Dabei arbeitet der mit dem männlichen Körper als Projektion subjektiver Emotionen. Wie Icarus in den Armen der Nymphe schmilzt kann man erahnen, dass er der Sonne zu nah kam und auch die warmen Farben und liquiden Lichteffekte unterstreichen diesen Anschein. Das Bild ist der Zeit entrückt – das Sinnbild epischen Scheiterns.
Nur ein Detail stimmt nicht mit dem Überein, was man im Bild des gestürzten Ikarus erwarten würde: Die Flügel sind noch intakt. Ikarus musste nicht mit seinen blanken Armen flattern, um nicht die romantische und symbolische Figur einer geflügelten Kreatur zu verlieren.